domingo, 9 de julio de 2017






"La posibilidad de entrar y salir 
del mercado laboral hace a su esencia, como comer y descomer"




8 de enero de 2017 - Miguel Ángel Ponte - secretario de Empleo del Ministerio de Trabajo de la Nación y ex directivo de Techint, al anunciar que el Gobierno quiere implementar nuevamente el sistema de pasantías al Estado.
Instalación conjunta en el marco de FORTALECIENDO LAZOS . 
Exposición colectiva por el 75 aniversario de la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel (EMBA) de Quilmes.

Obra conjunta con Nelda Ramos y Sergio Fernandez

viernes, 15 de abril de 2016

Manos en el repasador

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“Las manos en el repasador”, sector Ciudadela Nueva Esperanza - Guajaló ciudad de Quito, Ecuador, en el marco del 7º encuentro internacional de arte urbano Al Zurich - Tranvía 0, arteurbanosur.blogspot.com

Sobre el proyecto:
El repasador es la clave en este intercambio, esta prenda universal con la secamos ollas, platos, nuestras manos, nuestras lágrimas, las de nuestros hijos etc. (lágrimas que no simpre estan relacionadas con la tristeza..)
Objeto que por herencia (en mi caso el de mi abuela) doblez tras doblez lo transformamos en un colchoncito para poder con el tomar las azas de la ollas que en una suerte de danza transportamos alimentos hasta la mesa para ser servidos a nuestras familias.
Bien un sinfín de utilidades domesticas, pero no cabe duda de que todas ellas están bien relacionadas al amor de los miembros de una casa o familia. 
Ese mundo, esa intimidad domestica se inscribe día a día en la prenda.
Por esto es que a veces están viejos, deshilachados, quemados en sus puntas por descuidos caseros, muchas veces por estar haciendo más de una cosa a la vez con él en la mano, es así que a veces nos acompaña como si fuese una prolongación del propio cuerpo…
Bien este objeto es tan pero tan valioso que yo no sé bien si aquí funciona el consciente o el inconsciente, pero a decir verdad despojarse de él es un tema profundo. A veces hasta doloroso.

Este es el punto, el envejecimiento del repasador o limpión o trapo de cocina esta proporcionalmente relacionado a nuestra íntima vida cotidiana, la que transcurre en nuestras cocinas.

DIA 1 - Lunes 31 agosto - 5PM hora Ecuador
El encuentro / las cocinas / la propuesta / las miradas
Nos reunimos en la cocina de Yanet, una de las vecinas de la Nueva Esperanza, un barrio citado bien al sur de Quito, casi donde termina el sur, me acompaño Samuel y Washington del colectivo Tranvía 0, ellos me posibilitaron este primer acercamiento a los habitantes del barrio antes mencionado.
Debo confesar que estaba un poco ansiosa, pero la altura, el caminar cuesta arriba y la tranquilidad de los vecinos ayudaron a normalizar mi acelerado pulso.
Aquí en este primer encuentro fuimos pocas, digo pocas porque todas fuimos mujeres adultas y algunas niñas que oscilan en edad entre los 6 a 20 años.
La participación de niñas en un encuentro que básicamente parte de un intercambio de trapos de limpieza de cocinas con historias domesticas/personales fue muy conmovedor para mi.
Todas mencionamos a esta prenda por el nombre con la que la reconocemos, surgió así el repasador, trapo de limpieza, toalla, limpión, fregón.
Les conté sobre el proyecto y las invite a abordarlo desde sus lugares, aceptando sugerencias. Se creó el debate y quedamos en un primer encuentro al día siguiente.

DIA 2 - martes 1 septiembre - 5PM hora Ecuador
La acción / El intercambio / la emoción
En esta acción/construcción, colectiva sucedió el intercambio de las prendas, escribimos nuestros nombres y sorteamos las/os compañeros, yo lleve mi repasador y lo intercambie con Mercedes una de las mujeres de más edad en la comunidad, ya se habían sumado dos hombres, un niño de 9 años y un adulto.
Quedamos en vernos al día siguiente bien temprano porque la televisión iría a registrar el taller de construcción de historias.

DIA 3 - miércoles 2 septiembre - 6AM hora Ecuador
Los colores / la TV / la puesta en escena / las primeras puntadas
Surgieron los hilos, los bordados la pintura los bolígrafos, los colores y las anécdota caseras, las historias las imágenes, los recuerdos, estas escrituras quedaran en el repasador del otro, en nuestras cabezas y corazones.
Comenzó el verdadero intercambio.
Esto fue amablemente registrado por un canal zonal y las mujeres prepararon café, ya se han sumado tres hombres y algunas mujeres más desde el día 1.
Después de 7 días en los que nos reunimos entre las 3 y las 6 de la tarde siempre, construyendo historias sobre una gran mesa que colocábamos en la calle, intercambiando experiencias, logramos conocernos algo y por sobre todo descubrir al otro.
Llego el día en que dimos por terminadas estas historias, dando la posibilidad al comienzo de otras, Este proyecto de construcción colectiva se dejo ver colgando de cuerdas que uniendo dos barrios danzaron con el viento de las tardes Quitences.
Cada uno de estos trapos, limpiones, repasadores ahora portan dos historias, la primera esa que construimos con el uso diario a través de la mancha, la quemadura, el desgaste, esa que no la pensamos en letra y la otra, la que hemos decidido compartir con otros de manera voluntaria, escribiéndola en diversas formas, colores y texturas.
En la mayoría de los casos, aun en los niños y niñas el bordado, los hilos de colores fueron los protagonistas al momento de la selección del cómo.
Mi eterno agradecimiento al barrio Nueva Esperanza y al tranvía 0 .
gabi alonso . para una acción colectiva

Acción para vestirse y des_vestirse

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jueves, 29 de noviembre de 2012

Acción para regar a una mujer con tres paraguas


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Junto a javier robledo

Yo amé a una mujer de piedra 
de pechos labrados en redondez de esféricos glúteos perfectos
con la piel pulida inquebrantable
 de cabellera petrificada en su mejor belleza

yo amé a una mujer de piedra
 hasta que me harté
de su gesto constante inmóvil.


Yo amé a una mujer de humo
de cintura dorada inasible
de pestañas volátiles explosivas 
de piernas transparentes para mis manos de carne
 de esfumado decir en la boca
yo amé a una mujer de humo
hasta que me harté
de no poder abrazarla.


Yo amé a una mujer de agua
de pies levitadores sobre la cima de una torre en Babel
 de vulva abarcadora de desiertos recorridos por una huella desconocida

yo amé a una mujer de agua 
hasta que me harté
de que me ahogara con su todo y su todo.


Yo amo a una mujer de hueso y de carne
 totalmente desenmascarada, imperfecta, como yo.

Javier Robledo 


En el marco de Videobardo 
Festival internacional de Videopoesía 2015  
MACBA Museo de arte contemporáneo en Buenos Aires

domingo, 29 de mayo de 2011

El Guardían

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Descubri Lota, minero  a 60 km de Concepción, y 600 de Santiago de Chile.

A mi llegada había investigado el lugar a través de diversos documentos, contaba con saberes sobre los datos geográficos, los históricos, muchos archivos y  fotografías que me envió  Alperoa (coordinador del EPI), a decir verdad contaba con bastantes datos sobre el lugar;  Leí detrás de una cortina de lagrimas a SubTerra del escritor Baldomero Lillio, que generosamente me regalo Gabriel el hijo de la Marcela y el Ricardo de Santiago de Chile durante una corta visita en la casa del Peñalolén al pie de la cordillera, y llegué con una vaga idea sobre la posible acción que propondría allí..
Mucho me había imaginado, inclusive imaginé un color, un vestido, una partida y una llegada.
Lo que no había imaginado fue el encuentro con el guardián. 

Al llegar a las Ruinas de Enancar en Lota Alto nos recibió Guillermo, el cuidador, le contamos el motivo de nuestra llegada al lugar.  
Con Guillermo prontamente empatizamos,  nos presentamos y conversamos. 
Al tiempo que desempacaba mis objetos, buscaba una escalera, descubría la arena ennegrecida diluirse en las manos del Guradían, nuestra conversación tomo un giro intimo donde no se porque el confió parte de su historia y yo parte de la mía.

No cabía duda  con “El Guardíán”  a mi lado.. la acción había comenzado antes que los invitados llegaran al lugar..

EPI Encuentro Independiente de Performance Internacional, Lota, Chile.
curador: ALPEROA
Fotografías: Nelda Ramos
Video: Gabi Alonso


domingo, 15 de mayo de 2011

Reflexiones

spiritus lenis spiritus asper



Objetivo general: 
Realizar un performance colectivo con niños y padres de distintas escuelas, en el que se experimenten las sensaciones de la respiración desde los sentidos táctil, audición y visión, en el marco de generación de propuestas de una nueva pedagogía que incluya lenguajes de arte contemporáneo entre sus herramientas 

Objetivos específicos: 
• Enriquecer los procesos de aprendizaje de niños y sus familias, mediante una performance en la que se juega con burbujas en agua jabonosa 
• Incentivar a maestros innovadores en el uso de lenguajes de arte contemporáneo en la escuela, en particular facilitando espacios para el desarrollo de niños con retos de aprendizaje especial 
• Incluir a las familias y los niños en el arte de acción, como un espacio actual de convivencia 
• Aportar a las investigaciones de docentes, artistas y científicos que actuamos en red en propuestas de arte colectivo para la formación de competencias como el pensamiento complejo, el trabajo en equipo, la comunicación y el análisis crítico

Performance/acción colectiva, taller/acción detonante (esto último se refiere a la fusión entre el proceso de la acción y la inclusión de pedagogos, y artistas, que dialogan con científicos y con otros artistas en un proceso de diálogo generativo, que pretende desencadenar cambios en la pedagogía escolar)

en el marco del VII Festival Internacional Zonadeartenacción

Proyecto: gabi alonso y Jorge Restrepo

Video: Facundo Martín Kolovcevic, 
viernes 9 de noviembre de 1012, 

Museo del Transporte de Quilmes


"Aire Argentina - Carbono Colombia"



Por Carlos A. Lanza, curador

La Fundación para el Museo del Hombre Hondureño, tiene una larga trayectoria apoyando las expresiones artísticas del país, en su agenda hemos visto un patrocinio abierto que va desde manifestaciones artísticas tradicionales hasta audaces propuestas de arte contemporáneo como fue la acción pública llamada “El mayoreo”, realizada por Jorge Restrepo en un mercado de Tegucigalpa y “Alfombra” en la misma ciudad. En esta oportunidad, la Fundación abre su programa para que Jorge Restrepo, colombiano y Gabriela Alonso, argentina, formulen el proyecto performático Aire.
Desde hace varios años, Jorge Restrepo y Gabriela Alonso, vienen desarrollando una importante activad performática. Pienso que Restrepo gira hacia el performance motivado por una natural necesidad de percibir el arte como espacio para la acción; busca borrar las fronteras entre artista y público. Digo “natural necesidad” porque este artista, dotado de una sensibilidad excepcional, no podía autolimitarse a los bordes de un lienzo. En el mismo sentido, Alonso ha dicho: “provengo de la pintura y el grabado, incorporo más tarde la fotografía y el video. Como cuando ya nada alcanza, asalto los espacios urbanos y ellos como soporte me invitan a la acción”. Ambos artistas se mueven bajo el mismo principio que permite a un poeta pasar de la poesía a la prosa poética: la necesidad de decir más.

El diseño performático
El performance se desarrolló en la Universidad Zamorano, ubicada al oriente de Honduras. Participaron cerca de mil estudiantes de esta institución. La obra se estructuró en dos acciones: la primera consistió en inflar globos negros, manipulándolos después para obtener una sinfonía de sonidos agudos y graves en todo el espacio; la segunda acción radicó en inflar los mismos globos para lanzarlos de manera inmediata hacia arriba, creando la imagen de una “nube negra”. Más adelante estudiaremos esta simbología para discursar desde su significado; pero antes, quiero detenerme a analizar algunos aspectos formales que llaman la atención de este performance.
El performance tiene rasgos pedagógicos en los que muestra los resultados precedidos de un proceso; muchas veces este proceso está diseñado sobre la base de un cuidadoso plan de instrucciones pero, el artista debe tener el cuidado de que esta acción pedagógica quede absolutamente subordinada a los objetivos estéticos del proyecto, de lo contrario, se corre el riesgo de que la acción desemboque en un pobre espectáculo formal y creo que Restrepo y Alonso supieron resolver con solvencia esta situación. Airees un performance sobrio, así debe concebirse este género. En mi opinión, ambos artistas confirman la tesis de Allan Kaprow, para quien la intervención performática debía fundamentarse en un comportamiento y en un modo de hacer basado en la sencillez, es decir en la mesura. Este performance, a pesar de ser la acción artística de carácter masivo más importante que se ha hecho en Honduras, no posee ninguna complejidad formal, su orden de complejidad es la que le dicta su función simbólica porque a esa sobriedad formal le corresponderá una rica estructura de significaciones.
Si consideramos que en esta universidad los estudiantes sólo se congregan para actividades estrictamente académicas quiero destacar que la movilización de cientos de estudiantes universitarios hacia el lugar donde se realizarían las acciones performáticas son en sí mismas un performance; estos jóvenes con sus camisetas negras saliendo masivamente de los pabellones hacia el campo de fútbol escenificaron un verdadero acontecimiento: parecía la rebelión de las “camisetas negras”. Los estudiantes fueron el objeto ysujeto del performance; objeto porque sus cuerpos conformaron junto con los globos negros la plataforma visual del proyecto, esos cuerpos fueron dotados de una identidad para insertarse y ser percibidos; la camiseta negra no es una arbitrariedad, es uno de los rasgos de identidad sensorial. Los jóvenes fueronsujeto, porque a pesar de ser ésta una acción masiva, cada uno de ellos le proporcionó una energía particular a las acciones, por eso quiero enfatizar lo que señalé al principio: las normas o las instrucciones aún siendo planificadas para que fueran ejecutadas simultáneamente por centenares de estudiantes no desdibujaron el gesto con el que cada uno se entregó a la acción. La instrucción sólo avivó un sentimiento compartido. Sobre esto, Bartolomé Ferrando ha dicho que “la participación o la intervención en la obra es capaz de provocar la identidad del sujeto que interviene, la participación del otro aporta un cierto equilibrio de fuerzas en el interior del acontecimiento artístico”. Si en las imágenes del registro pudiéramos aislar a los participantes, veríamos que cada uno realizó una acción para el otro, la unidad de toda esa energía determinó el aspecto lúdico del proyecto: Aire es el rito de la respiración.
Otro aspecto formal que interesa definir para propósitos de este análisis es el espacio. En Aire, el espacio es un campo abierto, vasto, libre. En realidad, el campo es un paisaje absolutamente atmosférico. Estas características del espacio lo asocian a la naturaleza conceptual de la obra. A mi juicio, el espacio escogido se convierte en signo y entra a formar parte de la trama semántica. El espacio es un material, no un vacío, decía Nicolas Schöffer. Nada mejor que concebir sonido y plasticidad en un espacio que posee toda la energía para potenciar el desarrollo de una acción performática.

Las determinaciones simbólicas
El paso por el andamiaje formal del performance nos aproxima inexorablemente al estado de sus significaciones. Líneas atrás decía que el performance Aire constaba de dos acciones, la primera una acción sonora (sonido de los globos al desinflarse) y la segunda, articulada por una acción visual (una nube de globos negros).
La acción sonora corresponde a la tarjeta de Gabriela Alonso que desde el performance No sólo los soldados mueren en las guerras había concebido en el gesto de desinflar los globos (blancos) como “un chillido que rememora las sirenas”. Esta metáfora puede tener implicaciones de dolor y advertencia. Alonso también lideró el performance “Aire” en Argentina, como un homenaje al trabajo de Restrepo en “Aliento”. Allí Alonso introdujo la liberación alegre de los globos blancos…Hoy los dos artistas retoman el conjunto de escenas y las magnifican, con un performance masivo, en un nuevo territorio, y con un respaldo conceptual que se enfoca en otras problemáticas. Es como si dos artistas, Alonso y Restrepo, conversaran de cara a la historia del arte contemporáneo. En Zamorano, presenciamos a cientos de jóvenes dejando escapar el aire por la boquilla de los globos, aquello fue un concierto que avivaba todos los sentidos, era un sonido que comunicaba, que decía o desdecía; sonido-llanto, sonido-confusión, sonido-alarma, sonido-alerta, sonido-espasmo. Ese día el sonido alcanzó la dimensión de todas las emociones posibles: Sonido-poesía. La simbología adquiere connotaciones dramáticas cuando el aire que se libera proviene de globos negros y no blancos. El resultado desemboca en una metáfora que rememora un profundo anhelo de libertad que toca todos los cimientos de la cultura humana.
Aunque las coordenadas conceptuales del performance están puntualizadas en la ficha técnica, debo confesar que Aire es un proyecto que va más allá de su programa. La acción lo libera de los límites conceptuales prefijados permitiendo que el observador construya su propio universo conceptual sin caer en vagas indeterminaciones ya que ambos artistas establecen una simbología que remite a contextos críticos bien establecidos. Es en esos contextos que el público adquiere toda la libertad de indagar y proponer lecturas: El sonido es un universo sonoro que puede convocar la simple excitación de los sentidos como la más fina reflexión.
La segunda acción del performance consiste en inflar los globos y lanzarlos al aire, formando por algunos segundos una nube negra; la acción es efímera, dura lo que el aire tarda en escapar de los globos: aire eres y al aire volverás. El carbono secuestrado por unos segundos retorna a multiplicar sus moléculas, a encontrarse con la vida, a motivar la respiración del planeta, a equilibrar al oxígeno; en esta obra el aire es concepto y es material, es recurso para la acción y es la acción misma. No olvidemos que la novedad del lenguaje performático reside en la naturaleza de su signo que opera directa e inmediatamente sobre la realidad, elaborando su perfil ideológico a partir de la acción y no de la simple contemplación. La propuesta de globos negros otorga a la acción una sobriedad particular, escapando del colorido cirquezco para adquirir una referencialidad crítico-reflexiva. Decía anteriormente que Aire es un performance que convoca a otras variantes conceptuales, los globos negros que terminan conformando una nube negra, además de alusión a la contaminación, remiten a la imagen de un país ensombrecido por la crisis política más profunda de los últimos treinta años, sus códigos traslucen una metáfora escalofriante, sórdida, brutal: contaminación del aire pero a su vez, envenenamiento del espíritu.
Por último, cabe resaltar un momento histórico con el que se correlaciona –y sustenta- esta obra. De manera simultánea a la realización del performance, delegados de los países que integran las Naciones Unidas se preparaban para dar inicio a la cumbre de cambio climático de Copenhague. Considerada por muchos como la reunión que definirá la viabilidad del planeta, esta congregación centrará su atención en la negociación de los límites a las emisiones de carbono generadas por la actividad humana. Este marco de decisiones políticas de tal trascendencia es la razón por la cual el performance Aire es trascendente y pertinente.
Globos negros, jóvenes alegres en camisetas negras, sonidos graves y agudos, todos habitando un paisaje espectacular que nos hace pensar en un complejo mundo de contradicciones que el arte explora desde “la piel desnuda de una lágrima” hasta el dulce viento que se lleva el canto de los pájaros.

Tegucigalpa, 27 de noviembre de 2009



Arte de Acción / Performance / Reflexiones.


“Hay que insistir en esta idea de la cultura y en la acción que se vuelve en nosotros como un nuevo órgano, la civilización es cultura que se aplica y que rige incluso nuestras acciones más sutiles, es el espíritu presente en las cosas; artificialmente separamos la civilización de la cultura, como si hubiese la cultura por un lado y la vida por el otro”.
Antonin Artaud - Francia, 1938.

*
Una de las mayores aspiraciones de algunos artistas, especialmente durante el siglo XX, ha sido la posibilidad de unir el arte y la vida. El arte acción propuso ampliar los horizontes de la experiencia estética más allá de los espacios especialmente dedicados al arte, así como borrar las fronteras marcadas entre las diversas disciplinas artísticas (plástica, música, danza, teatro, medios audiovisuales, etc).
El arte de acción o performance propone comunicar de una manera expresiva, no existe el arte de acción sin el cuerpo. El cuerpo es el principal elemento sino el único portador del mismo. Así lo propone Richard Martel en su libro “Arte acción tomo I - 1958/1978”
El arte acción propone llevar el arte no solo a espacios cerrados dirigiendo la obra a quienes estén interesados en ella, sino también a los espacios públicos abiertos: calles, plazas, parques, etc.
Se ejecuta través de cualquier tipo de acción que tenga una intención estética consciente y elaborada

Según Muñoz Coloma artista visual, performer, teórico y poeta, desde Concepción, Chile, nos dice: 
-"El arte de acción o performance propone desde la diversidad cultural formas expresivas y comunicativas ubicándose así en una zona entre territorios disciplinarios; Por lo que es pluri y transdisciplinario".
Continúa diciendo: En distintos momentos a lo largo de la historia ha de articularse con las características formales que le corresponden a los distintos movimientos estéticos y culturales.

Aunque el nombre "Performance" aparece inscripto en la historia del arte alrededor de los años 70, podemos mencionarlo en otros momentos históricos, dentro de la vanguardia, como en el Futurismo (1ª manifiesto publicado por Marinetti en 1909), Dadaísmo, (Zurich durante la gran guerra en 1916), Surrealismo (Antonin Artaud con “El teatro y su doble” publicada en febrero de 1938).
No podemos dejar de mencionar a los accionistas vieneses, entre los que se encuentra Gunter Brus, tambien Cabe destacar a los artistas de los años 50 y 60, desde el happening hasta el fluxus, desde la poesía sonora a la performance.

Se puede decir que los orígenes culturales de esta inclusión del arte en la vida cotidiana provienen de tres fuentes: la poesía,
la música y el desarrollo de las artes plásticas en general.
Antonin Artaud (Francia 1895 - 1948),
Marcel Duchamp (Francia, 1887 - 1968),
Tristan Tzara (Rumania, 1896 - 1963),
André Breton (Francia, 1896 – 1966),
John Cage (Los Ángeles, 1912 - Nueva York, 1992). – quien se preguntaría: -¿Existe una música en el camión que está pasando”?

Podríamos diferenciar tres vertientes del arte de acción:
En Estados Unidos la herencia neodadaísta generó un tipo de happening de clara oposición al sistema mercantilista,
en sus acciones los artistas hacían hincapié en los elementos provocativos y sorpresivos.
En Europa, en cambio, se retomaba las referencias sociales e históricas para desarrollar una acción que influyera en la conciencia crítica del individuo y en su capacidad para elaborar un discurso social, (Wolf Vostell)
La tercera vertiente del arte de acción se centró en la crítica política a través de ataques a cuestiones concretas mediante acciones simbólicas, como en el caso de Joseph Beuys
Fluxus fue otra modalidad del arte de acción que sobre todo, se formalizo a través de la música.

"No hay artistas de la performance, sino artistas que se sirven de medios distintos para fines diferentes" afirma la artista francesa Orlan,
lo cual confirma que en la actualidad el arte de acción no es sino un medio más de la amplia gama que abre las posibilidades para el artista contemporáneo.
No en todos los países ni al mismo tiempo ha ocurrido dicho reconocimiento, aun en muchos lugares continúa siendo una practica artística con difusión y promoción restringidas.
"La libertad expresiva asusta a las instituciones". manifiesta Muñoz Coloma.

Que es entonces?
1. Son acciones realizadas por artistas frente a un público que concurre a presenciarlas expresamente
o de manera involuntaria. 
2. El artista no representa, es decir, no asume el papel de un personaje.
3. las acciones pueden durar unos pocos minutos o transcurrir en periodos duraciones (durante muchas horas), en espacios públicos o privados, abiertos o cerrados.
4. Las acciones generalmente responden a estructuras poéticas.
5. El cuerpo del artista es el único medio fundamental.
6. Establece una distancia crítica con los lenguajes de la representación.
7. Lxs artistas pueden valerse solo de sus cuerpos, o bien suelen estar acompañados de objetos realizados por ellxs mismxs, así como también suelen utilizar recursos tecnológicos: video, fotografía, sonidos, etc.
8. Con frecuencia las acciones son acompañadas de un texto provocador, evocativo.
9. Repetidamente, los sucesos del arte acción rompen la cadena de coherencia significativa provocando confusión y desconexiones; Este mecanismo de reconexión permite el desarrollo de diversas posibilidades de construcción de sentido. 
Como se comprende, el arte acción está en contacto con la vida cotidiana. Es sorprendente el número de disciplinas desde las cuales ha habido emergencias accionistas, de la cantidad de medios y materiales usados en cualquier combinación.
Su desplazamiento es de ida y vuelta: ser EN la vida cotidiana a ser ENTRE la vida cotidiana, Afirma Muñoz Coloma

Respecto al arte de acción en nuestro país, Rodrigo Alonso en “El arte de acción argentino en el cambio del milenio” dice: -…el arte de acción argentino de finales del siglo veinte se ha desplazado desde los espacios cerrados a los abiertos. Despojándose del tono expresivo e individualista de los ochenta, encuentra nuevas vías de productividad artística en la confrontación con los lugares de la vida cotidiana y su gente. Como sucedería con amplios sectores de la población argentina tras la crisis, los artistas recuperan la esfera pública como espacio productivo, como terreno de debate, análisis y construcción. Una de las herencias más persistentes de la dictadura militar había sido la desactivación de dicha esfera. En el contexto de una censura cultural y política estricta, signada por persecuciones y la prohibición de expresiones y manifestaciones públicas, las calles fueron progresivamente abandonadas, desestimándose su capacidad para encarnar cualquier reclamo social. La recuperación democrática pareció revertir tal proceso, pero la política neo-liberal que vendría de la mano del gobierno de Menem necesitó igualmente desactivar los espacios públicos, a fin de rehuir el descontento popular. Muchos artistas, sin embargo, fueron conscientes de las posibilidades que la esfera pública ofrecía a la hora de reflexionar sobre la realidad política, social y cultural. Incluso en plena euforia pre-crisis, los espacios comunes fueron el terreno de propuestas artísticas orientadas por tales objetivos….

El Arte Accion - No es teatro ni debería parecerlo
La performance NO es teatro NI teatro experimental NI espectáculo. En sentido estricto NO es actuación sino ACCION de un artista.
La performance pone en crisis, al menos, un plano de la representación. En ocasiones desarma la lógica narrativa acercándose a las maneras constructivas de la poesía.
El arte acción ayuda a mirar las cosas desde otro ángulo, desde puntos diferentes a los que proporciona la cotidianidad.
A veces por su método de realización de la acción de manera directa frente al espectador, ha llevado a pensar equivocadamente que se trata de teatro. NO LO ES.
ARTE ACCION O PERFORMANCE sondea las aguas de la no-representación, utiliza los signos de la vida cotidiana, produce a partir de las formas de la realidad.


otras miradas acerca de la performance…
Según Alberto Caballero . Teórico, investigador, psicólogo
Presentación: En cuanto al artista, ya no se trata de una representación del sujeto – en tanto imagen o significante, sino de una presentación, poner el cuerpo en la acción, el cuerpo del propio artista. En cuanto a la realidad, ya no se trata de cuestiones relacionadas con sus propios fantasmas, sus fantasías, etc., sino de su realidad cotidiana, de las marcas que deja en su contexto inmediato; desaparece la relación entre la figura y el fondo, ahora son su propio cuerpo y su propio contexto los elementos de su obra, y por consiguientes, las múltiples posiciones que toma en cada caso, en acción por acción, en presencia, siempre presentado, como una presentación.
Arte de la acción: La perfomance adquiere valor más allá de una cuestión sexual. Una coyuntura presencial, como una acción en lo social, se transforma en un arte de la acción, vecina de la manifestación, e incluso colabora con la participación ciudadana. Ahora tendrá que ver con los acontecimientos locales, históricos, a veces políticos: la educación, el trabajo, la ecología, etc. No se trata meramente de simbolizar las huellas en el propio cuerpo, de presentarlas con el cuerpo o en el territorio, incluso en el territorio de lo cotidiano, sino de dejar huellas en “el lugar”, el lugar urbano, el lugar paisaje, como territorio de la perfomance. La dificultad del discurso frente a lo político o lo social, hace que el artista use la perfomance como recurso para dejar huellas en el tejido de la ciudad o del paisaje, para recordar a la sociedad las huellas de lo no- significado.

mas voces:
texto extraído del conservatorio vía streaming con Soledad Falabella Santiago de Chile, en Valdivia 22 de noviembre 2012 
en el marco de la Bienal de arte acción, DEFORMES, Chile
Soledad Falabella Luco es Doctora en Literatura y Lenguas Hispánicas por la Universidad de California, Berkeley.
Su experiencia académica está enfocada en la metodología pedagógica, género e historia de la ideas en América Latina, desde una perspectiva crítica que busca problematizar la enseñanza y su cultura.

performance:
Una potencia de transformación, un poder que radica en la materialidad misma de la existencia, y esta materialidad tiene que ver con la forma, con la superficie, con el significante, con la corporalidad.
El cuerpo en si son muchas cosas;
En el cuerpo esta la mente, esta la lógica, esta la imaginación, esta el lenguaje,
Cuando hablamos de performance, hablamos de una materialidad en la corporalidad.

En la performance hay formas de la expresión y expresión de las formas; Esta forma de la expresión y expresión de las formas, tienen potencia, tiene poder para cambiar el mundo, y este poder la hace peligrosa, transgresora, ya que excede la norma, la norma dada por la contención, por el límite, por el paradigma ideológico del contenido, del sentido en su forma abstracta, (forma abstracta que tiene que ver con el paradigma, con la linea horizontal, con la autoridad que va de arriba hacia abajo).
En cambio la performance tiene que ver con un desplazamiento energético superficial, desplazamiento significante, deplazamiento del deseo, donde junto con disolverse ciertos limites y transgredir los limites, también genera una lógica sintagmática (lógica del deseo) ,,,, y esta lógica del deseo, sintagmática, superficial que transgrede, nos vincula con un mas allá, nos vincula con un éxtasis voluptuoso y gozoso, y este goce, este éxtasis, está en la performance como un situación humana; Situaciones humanas, experiencias humanas que se constituye en performance, podríamos pensar en momentos de producción de comunicación, momentos de producción de experiencia que transgrede las posibilidades de nuestra norma escrita y nuestra norma legal y lingüística.
Porque la performance en el fondo es un lenguaje que va mas alla del lenguaje, porque integra el cuerpo, y la materialidad, y eso genera de por si un exceso, y ese exceso nos perturba, nos saca de nuestro lugar, y nos transgrede; Porque crease o no o no, nos atañe al cuerpo,,,, 

Pensemos por ejemplo en la lectura de la poesía erótica, cuando uno lee erotismo, algo erótico, se transmuta el cuerpo, el cuerpo cambia; Cuando uno lee poesía uno cambia, y uno se transforma, ahí uno se deforma, ahí ocurre algo que es erotismo, que es deseo, pero al mismo tiempo nos pone en vinculo con la vida misma, y nos hace ser no solamente testigo sino que creación en movimiento, creación viva, uno es la creación y ese momento de creación es el momento entre la vida y la muerte, un momento de un fluir, donde el éxtasis se sostiene en el instante…


*Bibliografía consultada.
“Arte de Acción”, tomo I (1958/1978) y II (1978/1998), Edición a cargo de Richard Martel / Quebec Canadá
“Arte contemporáneo”. Performance. / Alicia Romero Marcelo Giménez
“Fluxus nella sua época” (1958-1978) mostra e performance - Casina del Boschetto - Villa Comunale - Napoli
“Presentación”, Andrea Ferreyra
“Performance y teatralidad”, (Cuadernos de investigación teatral) Guillermo Gómez Peña, Renato Cohen, Miguel Rubio, Juan José Gurrola y Elvira Santamaría
“El arte de la Performance en Latinoamérica”, Josefina Alcázar
"Performance" Muñoz Coloma, Mexico 2009



Josefina Alcázar en Mujeres y Performance. el cuerpo como soporte 2001 
El cuerpo de la artista de performance es el soporte de la obra, su cuerpo se convierte en la materia prima con que experimenta, explora, cuestiona y transforma.
El cuerpo es tanto herramienta como producto.
La performance es un género que permite a las artistas buscar una definición de su cuerpo y su sexualidad sin tener que pasar por el tamiz de la mirada masculina. 
Al tomar elementos de la vida cotidiana como material de su trabajo, la performance permite que las performanceras exploren su problemática personal, política, económica y social.
Las artistas de performance reflexionan sobre el arte mismo, sobre el artista y sobre el producto; analizan sus límites, sus alcances y sus objetivos; cuestionan la separación entre el arte y la vida; establecen una compleja relación entre la audiencia y el artista, y convierten al espectador en parte activa de su trabajo.
En la performance las artistas se presentan a sí mismas, es la acción en tiempo real, convirtiendo su cuerpo en significado y significante, en objeto y sujeto de la acción.
La performance permite la experiencia del momento, del instante.
La performance es un género que permite a las mujeres artistas expresarse sin estar bajo el control de las estructuras culturales dominantes, ya que está en sus manos el control total de su producción. 
No hay director, ni dramaturgo que le dicte lo que tiene que “representar”, y de esta manera puede expresar libremente su discurso.
La performancera no es sólo sujeto y objeto artístico simultáneamente, sino que en ella confluyen, también, el arte y la vida. 
No es extraño, por lo tanto, que las performanceras recurran frecuentemente a elementos de sus vivencias domésticas, de su espacio privado; espacio que se apropian al presentarlo en la escena pública.